Bibliographie

Pour une philosophie du cadre

Présentation:
À la fois limite nécessaire et accessoire superflu, le cadre entretient deux rapports à l’image apparemment inconciliables. En analysant ce paradoxe, cet ouvrage explore les tensions propres aux frontières des images.
Il vise à repenser celles-ci en tenant ensemble l’ornement et la condition de possibilité, l’opération et le produit, le quadro et la cornice. Débordant les paramètres du dispositif pictural classique et opérant un décalage de la peinture au cinéma muet hollywoodien, cette réflexion réexamine les concepts d’origine et de répétition – deux concepts que le cadre est précisément censé incarner – afin de réinterroger l’image et sa création.

Revue de presse:
1895 REVUE D’HISTORIE DU CINÉMA, N.1 Hiver 2023
https://www.editionsmimesis.fr/wp-content/uploads/pfeiffer_1895-101_mimesis-copia-3.pdf

Structure visuelle de l’image animée.

(The Visual Story: Creating the Visual Structure of Film, TV and Digital Media)

Best-seller aux Etats-Unis, sans équivalent en français, cet ouvrage explique les règles de composition de l’image animée et montre comment le choix du cadrage, de la tonalité, des mouvements de caméra, du contraste, de la perspective, de l’arrière-plan, etc, influe sur les émotions du spectateur et contribue à poser l’intrigue et à définir les relations entre les personnages. 

Grammaire de l’image indispensable à tout professionnel du cinéma, qu’il soit cadreur, réalisateur ou encore monteur.

David A. Ellis a interviewé plusieurs cadreurs et directeurs de la photographie qui racontent leurs expériences sur les plateaux et révèlent leur travail avec certains des réalisateurs les plus acclamés de tous les temps, notamment Alfred Hitchcock, Fred Zinnemann, Carol Reed, John Huston, David Lynch et Steven Spielberg. 

Il a rassemblé ces échanges dans Conversations with Cinematographers. 

Bien que leurs noms ne soient pas connus du grand public, ces hommes et leur travail ont laissé une empreinte indélébile sur le grand écran. 

Parmi les personnes interviewées figurent plusieurs artistes primés : • Douglas Slocombe (Kind Hearts and Coronets, Julia, Raiders of the Lost Ark) • Oswald Morris (Les Canons de Navarone, Un violon sur le toit, Oliver !) • Christopher Challis (Un coup de feu dans la nuit, Chitty Chitty Bang Bang, Top Secret !) • Billy Williams (Femmes amoureuses, Le Vent et le Lion, Gandhi) • Freddie Francis (Fils et amants, Elephant Man, Glory) • Chris Menges (La Déchirure, Mission, The Reader) • John De Borman (The Full Monty, Hamlet, Une éducation) • Gilbert Taylor (Dr. Strangelove, A Hard Day’s Night, Frenzy, Star Wars) • Jack Cardiff (Black Narcissus, Les Chaussons rouges, L’Odyssée de l’African Queen) • Nicolas Roeg (Fahrenheit 451, Loin de la foule déchaînée, Petulia) • Alex Thomson (Excalibur, Legend, Hamlet) • Walter Lassally (Tom Jones, Zorba le Grec, Chaleur et poussière) • Anthony Dod Mantle (Slumdog Millionaire, Le Dernier Roi d’Écosse, 127 heures).

«Le monde du cinéma y gagnerait beaucoup si chaque réalisateur était tenu d’exposer sa méthode de travail à ses confrères. C’est une chance pour nous tous que ce soit Sidney Lumet, l’un des plus grands cinéastes américains, qui partage ici son point de vue.» Steven Spielberg


Comment choisit-on un scénario? Qu’est-ce qui détermine le style d’un film? Comment gérer un tournage en extérieur avec une centaine de figurants ? Que faire pour maintenir la concentration d’un acteur au bout de la dixième prise?


Étape par étape, Sidney Lumet aborde tous les aspects de la création cinématographique, de l’écriture à la post-production : le casting, les répétitions, le choix des décors et des costumes, le tournage et le montage, la conception de la bande-son…, jusqu’au moment fatidique de la première projection.
Auteur de nombreux classiques (Serpico, Un après-midi de chien, 12 hommes en colère), Lumet offre avec ce livre le point de vue rare d’un cinéaste sur son propre travail et sur son art, nourri d’une longue expérience à Hollywood où il a tourné avec les plus grandes stars (de Katharine Hepburn à Al Pacino). À la fois mémoires professionnelles fourmillant d’anecdotes et guide pour apprenti réalisateur, Faire un film est une plongée saisissante dans les coulisses du cinéma.

Shot by Shot combine de manière unique l’analyse narrative et les stratégies de composition, en citant des exemples illustrés par les storyboards utilisés pour les films eux-mêmes. Tout au long du livre, diverses approches visuelles de scènes courtes sont présentées, exposant les processus de réalisation de nos auteurs les plus célèbres, y compris une analyse minutieuse et richement illustrée de la conception des scènes de Steven Spielberg pour Empire of the Sun.

Le livre contient plus de 800 photos et illustrations et est de loin l’ouvrage le plus complet sur la conception des plans, avec des storyboards de films tels que Citizen Kane, Blade Runner, Deadpool et Moonrise Kingdom. Il présente également le concept des modèles A, I et L comme moyen de simplifier les centaines de choix de mise en scène auxquels un réalisateur est confronté dans chaque scène.

Esthétique, sociologie et ontologie

Le rapport entre la réalité et le mouvement cinématographique nécessiterait une nouvelle relecture historique et esthétique à travers l’évolution de la caméra portée dans le cinéma mondial, notamment le cinéma iranien. 

Grâce au développement technologique, la caméra portée – à l’épaule et au poing – applique ses fonctions variées à l’image. 

Pour pallier le peu d’analyses ayant jusqu’ici abordé le sujet, cette étude transversale explore sa position, ses fonctions et son évolution dans la mise en scène de films iraniens, entre 1957 et 2016. 

Comparant des films pré- et post-révolutionnaires, elle met en lumière la différence entre la caméra portée et la caméra subjective, aborde également la Nouvelle Vague iranienne, les cinémas internationaux et l’emprise du cinéma direct mondial sur le cinéma de fiction iranien. 

Elle analyse la mutation de ce dispositif vers le cinéma documentaire-fiction iranien post-révolution (dès 1980) mais aussi son rôle dans le cinéma de fiction post-Mouvement vert (2009-2016), à travers deux films d’Asghar Farhadi : Une Séparation (2011) et Le Client (2016). 

Un outil qui permettra aux acteurs du monde du cinéma et aux cinéphiles vigilants de mieux appréhender l’utilisation de la caméra portée dans le cinéma iranien, rapportée à une tendance du cinéma international.

De l’écriture au montage : les techniques du langage film

Présentation:
Prise de vues, montage, cadre, mouvements de caméra, raccords, transitions et effets visuels constituent la grammaire du cinéma. Moyens d’expression du réalisateur, ils lui permettent de raconter une histoire, créer une ambiance et transmettre des émotions.
Ce livre pratique expose les techniques, règles et principes du langage filmé, illustrés de photogrammes, de schémas explicatifs et explicités dans un glossaire en fin de volume.
Dans une approche originale et pédagogique, l’auteur analyse et décortique plus de 200  extraits de films choisis dans le cinéma classique, de genre et contemporain.

A propos de l’auteur:
Yannick Vallet est réalisateur de documentaires, d’entretiens (Claude Chabrol, Ray Harryhausen, Olivier Dahan) et d’émissions sur le cinéma. Il est l’auteur de trois courts métrages et a créé avec Jean-Pierre Dionnet l’émission culte de Canal+, Quartier Interdit. Et professeur de langage cinématographique dans l’enseignement supérieur.

On se souvient de la légendaire robe soulevée par le vent de Marilyn Monroe dans Sept ans de réflexion ou encore du bikini de Halle Berry, la célèbre James Bond girl, dans Meurs un autre jour. 

Devenues cultes, ces scènes ont marqué l’histoire du cinéma. De quoi ces images sont-elles le nom ? Depuis toujours, les femmes sont filmées comme des objets de plaisir, les privant de pouvoir au profit du regard masculin et de ses désirs. Pour faire face à ce male gaze majoritaire, Iris Brey montre comment s’est élaboré un regard féminin au cinéma et interroge le sens caché des images. 

Un essai crucial déjà considéré comme un classique.

Iris Brey théorise le regard féminin, ou female gaze , une façon de filmer les femmes sans en faire des objets, de partager la singularité des expériences féminines avec tous les spectateurs, quel que soit leur genre, et renouveler notre manière de désirer en regardant sans voyeurisme.

Des joyaux du cinéma à certaines œuvres plus confidentielles, en passant par quelques séries et films très contemporains, Iris Brey nous invite à nous interroger sur le sens caché des images.

A propos de l’autrice: 

Autrice et journaliste, Iris Brey collabore à de nombreux médias ( Les Inrockuptibles, Mediapart, France Culture, Canal+…) et s’est imposée comme l’une des spécialistes françaises de la question du genre au cinéma et dans les séries.

« Le métier d’opérateur de prises de vues cinématographiques en France (1895-1930) »

“Tourneurs de manivelle”, “as de la manivelle”, “tourneurs de moulins à café”: autant d’expressions qui renvoient au métier d’opérateur de prise de vues cinématographiques dont ce livre vise à retracer l’histoire inédite. Quelles furent les possibilités d’existence de ce métier? De quelles tâches concrètes l’opérateur était-il responsable avant, pendant et après le tournage? Comment ces tâches ont-elles évolué entre les premiers tours de manivelle demandés aux employés des frères Lumière et la généralisation du parlant? Autant de questions dont s’empare cette étude richement illustrée et accompagnée d’un DVD (sept films ou documents audiovisuels mettant en scène des opérateurs).

Extrait du chapitre 6 du livre: https://afrhc.fr/wp-content/uploads/2022/01/As_manivelle_extrait.pdf

Les 100 plus grands procédés que tout réalisateur doit connaître

« Je m’efforce de toujours chercher d’abord la façon cinématographique de raconter une histoire par la succession des plans et des morceaux de film entre eux. Lorsqu’on écrit un film, il est indispensable […] chaque fois qu’il est possible, d’accorder la préférence au visuel sur le dialogue […] En résumé, on peut dire que le rectangle de l’écran doit être chargé d’émotion. »

En écho à ces propos d’Alfred Hitchcock, ce livre présente 100 exemples des techniques proprement cinématographiques qui construisent l’histoire d’un film. De Metropolis à Kill Bill, des extraits de scénarii célèbres montrent comment créer des caractères, dynamiser une action, donner toute sa force à une intrigue par le travail du cadrage, des mouvements de caméra, de la lumière…

La force de ce véritable guide de référence à l’usage des scénaristes, des réalisateurs et de tous les cinéphiles est d’offrir une traduction simple et efficace, grâce notamment à la reproduction de très nombreux photogrammes, de la façon dont le cinéma produit du sens. Et de prouver, au travers de références tant classiques que contemporaines, qu’un film est bien autre chose que « de la photographie de gens qui parlent ». Jennifer van Sijll

A propos de l’autrice :
Jennifer van Sijll, titulaire d’une maîtrise en beaux-arts du département cinéma-télévision de l’université USC, enseigne l’écriture de scénarios à l’université d’État de San Francisco et intervient en tant que consultante sur des projets cinématographiques et télévisuels à Los Angeles et San Francisco.

La collection Master Shots regorge toujours de rappels et d’astuces . Les volumes comprennent de nombreux schémas et d’illustrations des différentes positions de la caméra.

« Le livre est structuré de telle manière que vous pouvez le consulter tout en lisant un  scénario et simplement noter les sections que vous souhaitez revoir avant de tourner certaines scènes. Les suggestions de plans ne sont peut-être pas celles qu’un cinéaste suivrait à la lettre, mais ce livre ouvre de multiples possibilités, dont beaucoup n’auraient  peut-être pas été envisagées. Des entrées et sorties, des changements dramatiques, des révélations et découvertes à la mise en scène de l’attention, des scènes de dialogue, des disputes et des conflits, ce livre propose des techniques de tournage pour tous. »

Review de http://www.sandpointfilmmakers.net/filmmaking/master-shots-2nd-edition-book-review/

A propos de l’auteur

Né en Angleterre, il vit actuellement en Australie.

Christopher Kenworthy a travaillé comme scénariste, réalisateur et producteur pendant quatorze ans. Il a réalisé un long métrage, ainsi que de nombreux clips musicaux et projets commerciaux. Il se consacre actuellement à l’écriture.

Réflexion sur le rapport entre le regard, le cadre et la mise en scène.

« Ces mots sont plus que des notes de journal d’un réalisateur expérimenté. Ces mots sont des cicatrices, des marques de souffrance, des joyaux. Dans notre nuit (la nuit de la création qui doit nécessairement venir pour que s’allume l’écran), ils brillent comme des étoiles, nous montrant le simple et difficultueux chemin vers la perfection. » J.M.G. Le Clézio.

« Notes sur le cinématographe compose une collection de courts aphorismes qui sont comme autant d’haïkus théorico-pratiques faisant songer au montage dépouillé, stylisé jusqu’à l’épure, que l’auteur de Pickpocket, du Procès de Jeanne d’Arc et d’Au hasard Balthazar pratiquait dans ses films.

Notes sur le cinématographe est un des rares livres en rapport avec le cinéma qui a été publié par la prestigieuse collection « Blanche » de la maison d’édition Gallimard, et des encore plus rares, parmi ceux-ci, à prendre réellement le cinéma à bras-le-corps (de ce point de vue, on ne peut lui comparer que les Histoire(s) du cinéma de Jean-Luc Godard, publiées dans la Blanche en 1998). Rien d’étonnant à cela : son auteur, Robert Bresson, fut non seulement l’un des réalisateurs de films les plus singuliers et les plus influents de l’histoire du cinéma, mais celui qui tenta d’exercer ce dernier au plus près de sa spécificité — c’est-à-dire, à ses yeux, aussi loin que possible des arts antérieurs, et particulièrement du théâtre. »

Propos issu de: https://upopi.ciclic.fr/analyser/le-cinema-la-loupe/dix-propositions-pour-une-bibliotheque-de-cinema/3-robert-bresson-notes-sur-le-cinematographe-1975

Extrait des pages 16 à 21 de la deuxième édition de Notes sur le cinématographe : Paris, Gallimard, collection « Blanche », 1988. Première édition : idem, 1975.

• « Film de cinématographe où l’expression est obtenue par des rapports d’images et de sons, et non par une mimique, des gestes et des intonations de voix (d’acteurs ou de non-acteurs). Qui n’analyse ni n’explique. Qui recompose.
• Il faut qu’une image se transforme au contact d’autres images comme une couleur au contact d’autres couleurs. Un bleu n’est pas le même bleu à côté d’un vert, d’un jaune, d’un rouge. Pas d’art sans transformation. 
• Le vrai du cinématographe ne peut être le vrai du théâtre, ni le vrai du roman, ni le vrai de la peinture. (Ce que le cinématographe attrape avec ses moyens propres ne peut être ce que le théâtre, le roman, la peinture attrapent avec leurs moyens propres.)
• Film de cinématographe où les images, comme les mots du dictionnaire, n’ont de pouvoir et de valeur que par leurs position et relation.
• Si une image, regardée à part, exprime nettement quelque chose, si elle comporte une interprétation, elle ne se transformera pas au contact d’autres images. Les autres images n’auront aucun pouvoir sur elle, et elle n’aura aucun pouvoir sur les autres images.  Ni action, ni réaction. Elle est définitive et inutilisable dans le système du cinématographe.  (Un système ne règle pas tout. Il est une amorce à quelque chose.)
• M’appliquer à des images insignifiantes (non signifiantes).
• Aplatir mes images (comme avec un fer à repasser), sans les atténuer.

« Bazin était le meilleur écrivain de cinéma en Europe. Parler avec lui, c’était comme pour un Hindou se baigner dans le Gange. »

Il me semble le seul à s’être interrogé sur la fonction de critique. » 

François Truffaut à propos d’André Bazin.

A propos de l’auteur :

André Bazin, né le 18 avril 1918 à Angers (Maine-et-Loire) et mort le 11 novembre 1958 à Nogent-sur-Marne (Seine),Rédacteur à L’Écran français, Esprit, Le Parisien libéré, Radio-Cinéma-Télévision, La Revue du cinéma et à L’Observateur, Bazin a exercé une grande influence sur l’ensemble de la critique française et a fortement influencé plus particulièrement les réalisateurs de la Nouvelle Vague, comme François Truffaut, Éric Rohmer, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol et Jacques Rivette, ceux qu’il avait réunis autour de lui aux Cahiers du cinéma et qui justement commençaient à tourner leurs premiers films au moment où Bazin disparaissait après dix ans de maladie.

Le mouvement de caméra dans un film peut sembler simple ou purement technique. Pourtant, des panoramiques, des inclinaisons, des travellings, des grues et des zooms habilement utilisés peuvent exprimer les émotions d’un personnage, transmettre une attitude et une ironie, voire remettre en question une position idéologique. Dans The Dynamic Frame, Patrick Keating propose une histoire innovante de l’esthétique de la caméra qui examine comment le mouvement de caméra a façonné le style hollywoodien classique.

À travers une lecture attentive de dizaines de films, dont Sunrise, Les Raisins de la colère, Fenêtre sur cour, Sunset Boulevard et Touch of Evil, Keating explore la manière dont des figures majeures telles que F. W. Murnau, Orson Welles et Alfred Hitchcock ont utilisé les mouvements de caméra pour enrichir leurs récits et approfondir leurs thèmes. Équilibrant une analyse approfondie avec une poétique plus large du mouvement de caméra, Keating utilise des recherches d’archives pour retracer les avancées technologiques et l’évolution de la division du travail qui ont ouvert de nouvelles possibilités, ainsi que les changements politiques et culturels qui ont incité les cinéastes à utiliser la technologie de manière innovante. Histoire originale des techniques et de l’esthétique cinématographiques, The Dynamic Frame montre que la caméra hollywoodienne classique ne se déplace pas pour imiter les actions d’un observateur omniscient, mais plutôt pour produire l’interaction entre dissimulation et révélation qui est un élément essentiel de l’échange entre le film et le spectateur.

À propos de l’auteur : Patrick Keating est professeur agrégé en communication à l’université Trinity, où il enseigne le cinéma et la production vidéo. Il est l’auteur de Hollywood Lighting from the Silent Era to Film Noir (Columbia, 2010).

Ce livre classique aborde la composition cinématographique grâce à une approche unique qui combine une compréhension analytique, technique et esthétique de la grammaire visuelle essentielle du plan.
Contenant plus d’une centaine d’études de cas en couleur, cette deuxième édition a été enrichie de nouveaux types de plans et entièrement mise à jour pour refléter les évolutions des technologies et des pratiques cinématographiques.

Joseph V. Mascelli

 Cet ouvrage est l’un des plus respectés jamais publiés sur le cinéma. Illustré de centaines de photographies et de schémas, il présente avec clarté et concision les concepts et techniques essentiels du cadrage et des domaines connexes de la réalisation. 

Articulé autour de cinq thèmes centraux : The FIVE’S C:

• angles de caméra
• continuité
• montage
• gros plans
• composition 

Mascelli propose aux cinéastes une formation détaillée et pratique à la pensée visuelle. 

Sont notamment abordés : le temps et l’espace cinématographiques ; les règles de composition ; le point de vue ; la hauteur et l’angle de la caméra ; les plans d’ensemble ; les types de montage ; et la mise en scène.

« Mascelli’s book, in essence, teaches not just about the camera, but about film-making.  Every animator, story artist, and director should be fully equipped with the techniques and knowledge he offers. (Or at least be ready to refer back to them, like I do often, with books like his and those of many others.) » © AnimatedSpirit 2025

À la fois informatif et inspirant, THE STEADICAM® OPERATOR’S HANDBOOK est le guide complet numéro un pour devenir  un opérateur Steadicam accompli. Regorgeant d’entretiens et d’instructions prodigués par les meilleurs professionnels Steadicam au monde. Vous apprendrez un large éventail de pratiques pour la Steadicam, y compris la physique et l’équilibrage grâce à une série de pas de danse et de prises de vue pratiques étape par étape, jusqu’aux aspects les plus personnels de la réalisation cinématographique, à savoir comment les opérateurs individuels prennent des décisions créatives et pratiques en utilisant ce système unique de support de caméra. Vous y trouverez également des observations et des anecdotes inspirantes, drôles, instructives et édifiantes, écrites par plusieurs autres opérateurs Steadicam expérimentés à travers le monde, dont le légendaire inventeur de la Steadicam lui-même, Garrett Brown. 

THE STEADICAM® OPERATOR’S HANDBOOK est à la fois un cours magistral et une référence incontournable.

De nombreux plans de cinéma s’attardent sur le dos d’un personnage, mais ces images singulières n’ont pas fait l’objet de publications récentes.

Ce livre original et inédit se propose de réparer cet oubli:

Abbas Kiarostami raconta un jour que son chef opérateur interrompait les prises de vue dès qu’un acteur tournait le dos trop longtemps : alors que le cinéaste trouvait intéressant de continuer à tourner «malgré» le dos, son collaborateur ne voyait nullement la raison de s’attarder sur des profils perdus.

Que se passe-t-il au cinéma, lorsque dans le cadre de l’image un dos se fait pure présence, attire l’œil, se donne pour un instant comme le tout de l’image ?

Se poser cette question, c’est poser des questions au cinéma, sur ce qu’implique le fait de regarder.

À propos de l’auteur :
Benjamin Thomas est maître de conférences en études cinématographiques à l’université de Strasbourg. En 2009, il a publié Le Cinéma japonais. Cadres incertains aux Presses Universitaires de Rennes.

Une autobiographie d’un technicien du film hors pair Alain Douarinou (1909-1987), qui de Jean Renoir à Claude Chabrol en passant par Max Ophüls, René Clair, Christian-Jaque, Gérard Philipe, Roger Vadim, Louis Malle, Gérard Oury, cinquante ans d’anecdotes, d’amitiés, de souvenirs, de syndicalisme.

« Un homme à la caméra » constitue un document exceptionnel et original qui retrace en 130 films la vie de cet homme simple, drôle et sensible. »

 A propos de l’auteur:

Alain Douarinou fait ses débuts comme assistant-opérateur auprès de Nicolas Hayer et de Christian Matras. En 1934, il effectue la photographie de Cartouche de Jacques Daroy. Il travaille bénévolement sur La vie est à nous (1936) et La marseillaise (1938), tous deux de Jean Renoir. Prisonnier pendant la Seconde Guerre mondiale, il réapparaît en 1946 sur Le 6 juin à l’aube de Jean Grémillon. Il effectue la photographie ainsi que le cadrage pour de nombreux réalisateurs dont Jean Delannoy pour La symphonie pastorale (1946), René Clair pour Le silence est d’or (1947) ou Henri-Georges Clouzot (1957) pour Les espions. C’est en travaillant avec Max Ophüls que Douarinou réalise des mouvements de caméra et des plans qui restent célèbres grâce à une caméra attachée sur une gigantesque grue. Ne lésinant pas sur les moyens, il fait partie des rares opérateurs à travailler avec des équipements lourds, comme pour les grands mouvements à la grue dans Le plaisir (1952) d’Ophuls.

Voir la filmographie complète de Alain Douarinou sur le site IMDB

https://www.imdb.com/fr/name/nm0234644